1.1 ¿QUE ENTENDEMOS POR BARROCO MUSICAL?
2.1 INSTRUMENTOS MUSICALES DELBARROCO
3.1 CARACTERISTICAS ESTILÍSTICAS;
3.1.1. NACIMIENTO DE LA ÓPERA
3.1.2. LAS PASIONES HUMANAS.
4.1COMPOSITORES PRINCIPALES;
4.1.2. J.J.BACH
4.1.3. CRITICA MUSICAL;``Concierto nº2 de brandemburgo´´
4.1.4. EL CLAVE BIEN TEMPERADO.
4.1.5. VARIACIONES GOLBERG; GLENN GOLD
5.1. HANDELL
5.1.1. ESTILO CORAL DE HANDELL
6.1 VIVALDI
6.1.1. CONCIERTOS DE VIRTUALISMO; ``LAS CUATRO ETACIONES´´
miércoles, 14 de marzo de 2012
martes, 13 de marzo de 2012
¿QUE ENTENDEMOS POR MUSICA BARROCA? ;
La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas: profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas: profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.
INSTRUMENTOS MUSICALES DEL BARRCO;
Llamamos instrumentos musicales del Barroco a los utilizados para La interpretación de la música culta occidental en el periodo Barroco, esto es, aproximadamente entre 1600 y 1750.
El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el violín, el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales.
También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano; Domenico Scarlatti, Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín; Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta; y Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín.
En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.
El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín.
-DIFERENTES TIPOS DE INTRUMENTOS;
.ÓRGANO;
Un órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento.
En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, también se suministra mediante compresores.
El órgano se toca con manos y pies, lo cual hace recomendable el estudio de otros instrumentos de teclado para poder pasar a su estudio como instrumento.
El clavecín (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo) es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra.
Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite también sugerir efectos dinámicos.
El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el violín, el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales.
También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano; Domenico Scarlatti, Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín; Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta; y Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín.
En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.
El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín.
-DIFERENTES TIPOS DE INTRUMENTOS;
.ÓRGANO;
Un órgano es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros). Se clasifica como instrumento de viento o aerófono en la categoría instrumentos de teclado y también dentro de la subcategoría aire insuflado, junto al acordeón y al armonio.
Consta de diferentes registros o sonidos, cuyo timbre dependerá de la forma, tamaño, material o mecanismo de producción del sonido. Se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento.
En el pasado, el aire se suministraba por medio de unos fuelles movidos a mano. Actualmente, también se suministra mediante compresores.
El órgano se toca con manos y pies, lo cual hace recomendable el estudio de otros instrumentos de teclado para poder pasar a su estudio como instrumento.
EL CLAVECÍN;
Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite también sugerir efectos dinámicos.
CARACTERISTICAS ESTILISTICAS:
-Aparición de la orquesta. Surgieron las uniones de instrumentos.
-El compositor practica todos los generos de la época.
-Aparición de la música escenica ; LA ÓPERA.
-Independencia msuical entre la instrumental y la vocal, ninguno de estos dos generos se combinaban para formas obras.
-El compositor practica todos los generos de la época.
-Aparición de la música escenica ; LA ÓPERA.
-Independencia msuical entre la instrumental y la vocal, ninguno de estos dos generos se combinaban para formas obras.
NACIMIENTO DE LA OPERA;
La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.
A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
Las diferencias: Las diferentes subclasificaciones de la ópera nacen, tanto por cambios en la concepción del libreto y, por consecuencia, en los cambios de función de la música escrita para tal libreto. De tal modo, es posible establecer diferentes subgéneros de ópera que se clasifican, desde el punto de vista de la función del libreto, desde el dramma per musica hasta la ópera literaria, y, con respecto a la función de la música, desde la ópera de números musicales hasta la ópera de música continua. En la historia de la ópera es recurrente que los cambios en la función del libreto determinan, luego, los cambios de la función de la música dentro del género.
A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
- la música (orquesta, solistas, coro y director);
- la poesía (por medio del libreto);
- las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;
- las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura);
- la iluminación y otros efectos escénicos;
- el maquillaje y los vestuarios.
Las diferencias: Las diferentes subclasificaciones de la ópera nacen, tanto por cambios en la concepción del libreto y, por consecuencia, en los cambios de función de la música escrita para tal libreto. De tal modo, es posible establecer diferentes subgéneros de ópera que se clasifican, desde el punto de vista de la función del libreto, desde el dramma per musica hasta la ópera literaria, y, con respecto a la función de la música, desde la ópera de números musicales hasta la ópera de música continua. En la historia de la ópera es recurrente que los cambios en la función del libreto determinan, luego, los cambios de la función de la música dentro del género.
PRINCIPALES CANTANTES DE ESTÁ;
Francisco Cavalli, Juan Legrenzi y Marco Antonio Cesti fueron los principales autores de la escuela veneciana de la opera.Nápoles también se convirtió en un centro importante de opera, pero además, tuvo la particularidad de crear la opera “cómica” o “buffa”. Entre autores y obras de la escuela napolitana se destacan Francisco Provenzale con “El esclavo de su mujer”; Alejandro Stradella con “La fuerza del amor paterno”; Alejandro Scarlatti, uno de los más grandes creadores de su tiempo, con numerosísima obra, variedad de géneros, entre sus operas figuran “Rosaura” y “Tigrane”.
La opera fuera de Italia en el siglo XVII se expandió principalmente por Francia, Alemania e Inglaterra. El primer operista en Alemania fue el ilustre músico Enrique Schütz, que estrenó la ópera “Dafne”; en Inglaterra el más representativo fue Enrique Purcell, quien compuso la bella obra “Dido y Eneas”. Francia tuvo una figura muy relevante en Juan Bautista Lully, músico de Luis XIV, italiano de nacimiento pero de formación francesa, compositor de obras como “Alceste”, “Armida”, se le considera uno de los creadores de la forma clásica de la opera.
María de Médicis y Mazarino llamaron a París a los compositores italianos de opera, entre ellos a Cavalli. Lully tomó por modelo tragedias de Racine, dando a sus obras una disciplina literaria, entonces hubo una oposición entre la opera italiana y la francesa, resultando querellas que llenaron los reinados de Luis XIV, XV, y XVI. Luego los compositores de operas reanudaron su labor, con el fin de agradar al público, que estaba ajeno a aquellas discusiones. París fue un foco al que acudieron los alemanes: Meyerbeer se instaló allí; Wagner intentó en vano presentar sus primeras operas, su fracaso fue lo que lo impulsó a perfeccionarlas, dirigiéndose al drama lírico del que fue creador.
QUE SON LAS PASIONES HUMANAS;
Los humanos tenemos diferentes pasiones pero las dos mas importantes de todas las que ahi son las siguientes:
-ALEGRÍA;
La palabra alegría deriva del latín alicer-alecris, que significa vivo y animado. Es una de las emociones básicas del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la tristeza y la sorpresa. Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos. La tristeza es la emoción contraria.
-TRISTEZA:
La tristeza es una de las emociones básicas (no natales) del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la alegría y la sorpresa. Estado afectivo provocado por un decaimiento de la moral. Es la expresión del dolor afectivo mediante el llanto, el rostro abatido, la falta de apetito, etc. A menudo nos sentimos tristes cuando nuestras expectativas no se ven cumplidas o cuando las circunstancias de la vida son más dolorosas que alegres. La alegría es la emoción contraria.
-ALEGRÍA;
La palabra alegría deriva del latín alicer-alecris, que significa vivo y animado. Es una de las emociones básicas del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la tristeza y la sorpresa. Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos. La tristeza es la emoción contraria.
-TRISTEZA:
La tristeza es una de las emociones básicas (no natales) del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la alegría y la sorpresa. Estado afectivo provocado por un decaimiento de la moral. Es la expresión del dolor afectivo mediante el llanto, el rostro abatido, la falta de apetito, etc. A menudo nos sentimos tristes cuando nuestras expectativas no se ven cumplidas o cuando las circunstancias de la vida son más dolorosas que alegres. La alegría es la emoción contraria.
viernes, 9 de marzo de 2012
COMPOSITORES PRINCIPALES
CORELLI, ARCANGELO
ltalia [1653-1713]
Nacido en el seno de una acaudalada familia de terratenientes. Fue compositor y violinista. Contribuyó a la cristalización del concerto grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores de este instrumento como Varacini, Germiniani y Viotti. Estudió en Bolonia, donde aparentemente tomó lecciones de violín de unos discípulos de Ercóla Gaibara. Desarrolló su actividad en Roma principalmente, salvo dos viajes por Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (luego del papa Alejandro VIII). Fue uno de los que continuaron la obra de Legrenzi y Vitali en la sonata antigua. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y bajo continuo), además de 12 para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn fueron récords de publicación y reedición.
ltalia [1653-1713]
Nacido en el seno de una acaudalada familia de terratenientes. Fue compositor y violinista. Contribuyó a la cristalización del concerto grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores de este instrumento como Varacini, Germiniani y Viotti. Estudió en Bolonia, donde aparentemente tomó lecciones de violín de unos discípulos de Ercóla Gaibara. Desarrolló su actividad en Roma principalmente, salvo dos viajes por Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (luego del papa Alejandro VIII). Fue uno de los que continuaron la obra de Legrenzi y Vitali en la sonata antigua. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y bajo continuo), además de 12 para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn fueron récords de publicación y reedición.
COUPERIN, FRANCOIS
Compositor y clavecinista nacido y muerto en París, vinculado al barroco. La música para laúd de la época influyó en su concepción del clave, especialmente la llamada cuarta generación representada por nombres como Jacques Gallot, Charles Mouton o Robert de Visée. Fue llamado el Grande, para distinguirlo de un tío suyo llamado de igual manera al que superó en calidad y por su papel en la historia. Compuso más de 200 obras para clave en total. Tiene en su catálogo cuatro libros de Ordres, nombre con el que distinguía a las suites o partitas. Su colección El arte de tocar el clave ejerció una poderosa influencia en J. S. Bach. En sus prefacios hace referencia a la manera de interpretar este instrumento. En su opinión, los estilos italiano y francés habían dividido a la república de la música en Francia. Él restaba importancia a la procedencia y confesó haberse sentido atraído por la composición después de haber conocido las primeras sonatas italianas. Incluso compuso una en trío llamada La Apoteosis de Corelli, que compensó con una Apoteosis del incomparable M. de Lully.
Frescobaldi, Girolamo
Compositor y organista de origen italiano. Creó escuela en su instrumento y en la música vocal del primer barroco. Tenía una gran fama, reconocida por sus contemporáneos, tanto por los críticos como por los tratadistas. Varios años después (hasta entrado el siglo XIX) su música se siguió utilizando con fines pedagógicos. Por aquellos tiempos, Ferrara era uno de los centros más progresistas de Europa y su duque, Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se centró en el órgano, desempeñando un importante papel como organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órgamartes, 6 de marzo de 2012
JOHANN SEBASTIAN BACH
Nació en Turingia el 21 de marzo de 1685 y murió en Leipzig, 28 de julio 1750, fue un organista, clavecinista ycompositor aleman de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecin, también tocaba el violín y la viola de ganmba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde MozartSchoenberg, hasta nuestros días. pasando por
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clasica y de la musica universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandemburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasion segun Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones de Golbers, la Tocata y la fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violochelo solo, las Sonatas y partidas para violin solo y las Suites orquestales.CRITICA MUSICAL; concierto nº2 de Branburgo
Esta composición esta interpretada por una agrupación denominada orquesta, ya que en ella puedes encontrar familia de viento y cuerda. Viento; puedes escuchar diferentes instrumentos; flauta de pico, trompeta y de la familia de cuera; violines, viola, violonchelo, contrabajo. En la obra llamada` `concierto nº 2 Brandemburgo´´ predominan los violines de una forma muy clara, ya que su timbre es interpretado de forma muy aguda. Su melodía es ; culta, ya que tiene un autor conocido con el nombre Juan Sebastián Bach. La textura de esta obra es contrapuntística quiere decir una melodía que la melodía que la forma no se repite, pero si he podido escuchar una melodía (de intensidad mas baja), de fondo, de la que principalmente se escucha (su intensidad es mas alta). El procedimiento compositivo que utiliza el compositor de esta obra se denomina variación y repetición. Variación porque la mayoría de sus composiciones van variando a medida que pasan los minutos pero además la obra tiene unos tiempos en los cuales se repite un pequeño intervalo, dicha melodía de repetición, tocada de manera solista los instrumentos denominados violines. Su tiempo o movimiento varia, no frecuentemente pero si en algunos intervalos de la composición, principalmente su tiempo es moderato , pero en esos intervalos , en los cuales he nombrado antes su tiempo es allegro. La intensidad de la composición es mezzo fforte, si que es verdad que en algunos intervalos de esta, se puede apreciar, que puede haber una serie de contrates de mezzo fforte a ffrte. Al final de la obra se escucha claramente que hay un descrechendo pero además a mitad de esta ahí un crechendo.
Esta pieza personalmente, me transmite fuertes alegrías debido a su ritmo, timbre, movimiento…Pero además hay tiempos en las obras que su intensidad baja fforte si puede transmitir algún sentimiento de tristeza, miedo. Este tipo de música no me atrae peo tampoco de para que sea un tipo de música que no la pueda escuchar.
EL CLAVE BIEN TEMPERADO;
El Clave bien temperado o el Clavecín bien templado (en alemán: Das wohltemperierte Klavier, literalmente ‘el clave con temperamento bueno’, en contraposición a otros tipos de temperamento), es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.
Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen (que comprende los preludios y fugas del BWV846 al BWV 869) fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen (que comprende del BWV 870 al BWV 893) fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero. Ambos comparten el mismo esquema: cada libro comprende 24 grupos constituidos por un preludio y una fuga en la misma tonalidad. Empieza por la tonalidad de do mayor, y después la de do menor, a la que le sigue do sostenido mayor y así sucesivamente, hasta haber completado toda la gama cromática de mayor a menor. Es, por tanto, una colección enorme que comprende 48 preludios y 48 fugas cuyo objetivo es, a la vez, musical, teórico y didáctico.
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