GLENN GOULD; Variaciones golbers

Nacido en Toronto en el seno de una familia de músicos (el padre era aficionado; la madre profesional), Gould aprendió a tocar el piano con esta última, que tocaba además el órgano. Su abuelo era primo de  Edvard Grieg. Fue a la escuela Royal Conservatory of Music cuando tenía diez años de edad, convirtiéndose en el discípulo más famoso del pianista chileno Alberto Guerrero.
Su primer concierto (tocó el órgano) tuvo lugar en 1945, e hizo su primera aparición con orquesta el año siguiente cuando ejecutaba el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto. Realizó su primera ejecución pública como pianista solo en 1947.
Diez años más tarde, Gould hizo un viaje a la Unión Soviética y fue el primer pianista canadiense en visitar ese país después de la Segunda Guerra Mundial.
El 10 de abril de 1964 tocó en público por última vez en Los Ángeles y anunció que se retiraba de los escenarios cuando era una auténtica figura internacional. La razón es que empezó a sentir hastío por la interpretación en directo y creyó que servía mejor a la música en un estudio de grabación que en la sala de conciertos. Pensaba además que la música se preservaba mejor en la intimidad.
Además de las grabaciones de piano, a las que se dedicó durante el resto de su vida, se dedicó también a la escritura y a la radio, que le apasionaba. Murió en Toronto el 4 de octubre de 1982 después de sufrir un infarto cerebral.

VARIACIONES GOLBERS;

Es el nombre de una composición musical para teclado cuya composición fue completada por el compositor barroco alemán Johan Sebastian Bach en 1741.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.
El Clavier-Übung, título que hoy se escribiría en alemán como palabra compuesta: «klavierübung» y que se traduciría líbremente al español como «ejercicios para teclado», es un compendio demostrativo de su obra para teclado, dividido en cuatro partes, y posiblemente concebido para los que el mismo Bach denominaba liebhaber, es decir, aficionados competentes y exigentes.

GEORG FRIEDRICH HAENDEL;

Halle, 1685 - Londres, 1759) Compositor sajón nacionalizado británico. Estudió derecho y música en su ciudad natal y en 1703 entró a formar parte, como violinista y clavecinista, de la orquesta de la ópera de Hamburgo.


 De 1706 a 1710 permaneció en Italia, donde conoció a los Scarlatti y a Corelli, quienes influyeron de forma notable en su música, y donde adquirió celebridad como organista y como clavecinista. En 1712 se estableció de forma definitiva en Londres. Ciego desde 1751, dictó su música a J.C. Smith. A su muerte, fue enterrado en la abadía de Westminster.

                                                                                  

EL ESTILO CORAL DE HAENDEL;

la obra de Händel, un vasto universo en el que se encuentra un sincretismo de estilos y corrientes que logra su unidad a través de la expresividad y hasta dramatismo desarrollado principalmente en sus óperas y oratorios y que sobre la marcha fue también magistralmente empleado en su música instrumental – la cual alcanzó para entonces un nivel de importancia similar al de la música cantada; un hecho sin precedentes en la historia de la música– para lograr capturar la admiración no solo de los sectores más bajos delvulgo, sino también los estratos culturales e intelectuales más sobresalientes de la época. De manera que a diferencia de otros artistas, Händel experimentó en vida y en todos los niveles, las glorias de la fama y la fortuna, así como también las hieles del infortunio, la enfermedad y su peor enemigo, la envidia que muchos guardaban ante su genio.

Ópera

La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Entre sus precedentes estaban los madrigales italianos de la época, a cuyas escenas con diálogos, pero sin acción teatral, se pondría música. Otros antecedentes eran los melodramas, ballets de cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de salón propios del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un grupo de músicos y estudiosos conocidos como la Camerata Fiorentina o di Bardi. La Camerata tenía dos objetivos: revivir el estilo musical del drama de la antigua Grecia y desarrollar una vía distinta al estilo sobrecargado del contrapunto propio de la música renacentista tardía. En especial, deseaban que los compositores prestaran más atención a los textos en los que basaban sus obras, adaptándolos de una manera sencilla para que la música pudiese reflejar en cada frase el significado del texto y no fuera opacado por el excesivo cargamento contrapuntístico. Estas características probablemente no eran comunes en la antigua música griega, pero la Camerata no disponía de una información detallada y suficiente sobre ese periodo musical (ni se dispone de ella hoy día).

La Camerata desarrolló un estilo de monodia denominado recitativo, cuyos contornos melódicos imitan las inflexiones y el ritmo natural del habla. La melodía era acompañada por el bajo continuo – interpretado, por ejemplo, en el clavicémbalo – y la apoyaba un instrumento melódico bajo. Dos de los miembros de la Camerata, Giulio Caccini y Jacopo Peri, llegaron a la conclusión de que la monodia se podía utilizar para los monólogos y diálogos de un drama escenificado.

La ópera se difundió rápidamente por toda Italia. El principal centro a mediados y finales del siglo XVII fue Venecia, seguido de Roma, donde por primera vez se hacía una clara diferenciación entre los estilos cantantes del aria (usados para reflejar las emociones) y el recitativo (que proviene de la monodia y se utiliza para presentar información y diálogos).

VIVALDI;

Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.

Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.

 

CONCIERTOS DE VIRTUALISMO: ``Las cuatro estaciones´´

Las cuatro estaciones titulo de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta. La primavera, el verano, el otoño y el invierno.Dicha obra trata de una insicripcion a traves de elementos del lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.Su autor es conocido como Antonio Vivladi.Un conocido comporsitor Italiano.Vivió los siglos XVII y XVIII, es decir el final del llamado periodo barroco de la musica. Este género musical se desarrollo en el ambito religioso como en el profano.Antonio Vivaldi escrbió cerca de 500 conciertos para diversos instrumentos, 220 de ellos dedicados al violin, instrumento de cual el era un maestro. Cuatro de estos concientos, escritos para violin son los que se conocen con el nombre de LAS CUATRO ESTACIONES. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto esta dividio en tres partes; tempo RAPIDO-LENTO-RAPIDO.

CONCIERTO Nº 1; PRIMAVERA

Es uno de los conciertos solistas para violín que forman parte del II cimento dell´armonía e dell´invenzione (Ensayo de la armonía y la invención). La obra fue publicada en 1726, consta de dos libros, en cada uno de ellos hay compuestos 6 conciertos.

Vivaldi introdujo en la partitura explicaciones escritas de aquello que describe mediante la música: "el canto de los pájaros, los truenos..."

Esta obra etsa compuesta para violín solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y lo que llamamos el bajo continuo (línea de bajo que se extiende a lo largo de toda la pieza), formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo. A pesar de que temporalmente se sitúa la obra en el barroco, la técnica y complejidad de la misma, así como la actitud de la música sitúan la obra en la corriente neoclásica. Consta de tres movimientos: 1.º: Allegro, 2º.: Largo, 3.º: Allegro. Uno de los recursos compositivos de Vivaldi es la repetición de un estribillo, llamado ritonello.

 CONCIERTO Nº2; VERANO

Una lenta introducción describe el intenso calor del verano, de nuevo oímos el canto de las aves en el súbito allegro, el cú-cú en figuras de dobles corcheas por el violín solista; después, la tórtola y el jilguero, cuyos cantos son arrebatados por un fuerte viento y el llanto del pastor por miedo a la tormenta. Con huracanados vientos descritos por dobles corcheas en toda la cuerda finaliza el movimiento

 CONCIERTO Nº 3; OTOÑO

Los alegres campesinos celebran con danzas y cantos la recolección de la cosecha; musicalmente, la danza está escrita en un compás de 4/4, en donde las figuras rítmicas son iguales tanto para el solista como para toda la orquesta; el cambio rítmico del solista en arpegios de dobles corcheas describe a un borrachín que, después de varias travesuras, al fin se queda dormido.

CONCIERTO Nº4; INVIERNO

Este movimiento describe ingeniosamente los efectos del frío, el castañeo de los dientes y el temblor del cuerpo. De nuevo aparece la tempestad; para mitigar un poco el frío, los campesinos corren y patalean.

Segundo movimiento: Largo

Con una placentera y larga melodía del violín solista, evoca una tarde de lluvia disfrutando de esta al abrigo de la casa y al calor del fuego de la chimenea. La lluvia está evocada por los pizzicatos del violín primero y el violín segundo.

Tercer movimiento: Allegro

El movimiento en su inicio hace referencia al caminar lentamente sobre el hielo por miedo a caerse, el hielo comienza a agrietarse y todos ahora corren a refugiarse dentro de la casa; por las hendiduras de la puerta y de las ventanas se filtra el fuerte viento; pese a todo, el invierno nos deja grandes alegrías.

 

 

INDICE;

1-MUSICA ANTIGUA

2- EL CANTO GREGORIANO.

3-INSTRUMENTOS GRIEGOS

4-GUIDO D´AREZZO

5-MÚSICA ANTIGUA EN ESPAÑA

             5.1- REPRESENTANTES PRINCIPALES.

             5.2- EL CANTO DE LA SILBILA

             5.3-CRITICA MUSICAL.

6-MUSICA ANTIGUA EN ARAGON.

1-MUSICA ANTIGUA;

La música en la Antigüedad es la historia de la música de la Edad Antigua y (dado que la música es algo connatural al ser humano, como ha probado la antropología) también de la que se producía en periodos anteriores, no históricos (la Prehistoria), a pesar de que para unos periodos habrá testimonios escritos y para otros únicamente los restos de la cultura material ligada a la música (los propios instrumentos musicales).

No debe confundirse con el concepto de Música antigua, que se utiliza de forma equivalente a la música clásica anterior al siglo XVIII y limitada geográficamente a Europa Occidental.

2-EL CANTO GREGORIANO;

El canto gregoriano es el canto oficial de la Iglesia Católica. Es una música vocal, monódica (a una sola voz) y "a capella" (sin acompañamiento de instrumentos). El canto gregoriano es una enorme colección de obras vocales puesta bajo la advocación del papa San Gregorio I Magno (590-604)), por una leyenda que falsamente le atribuye su invención. Pero el canto gregoriano no es obra de un solo hombre, ni siquiera de una sola generación, ni apareció en un solo lugar concreto. Es la obra acumulada de muchos cantores, en muchos lugares y durante muchos tiempos; sin embargo cristaliza en un repertorio muy unido que se extiende por todo el occidente cristiano medieval. El canto gregoriano es la expresión musical de fe de la Iglesia, manifestada en su liturgia y que se ha mantenido durante siglos. Pero también es un patrimonio inmaterial de la humanidad, digno de ser oído como auténtica obra de arte.

3-INSTRUMENTOS ANTIGUOS;

1-EL ORGANO PORTATIL:

El órgano portatil aparecio en el siglo XII, y desaparecio en el siglo XIV, debido al desarrollo de otros organos.

el ógano porttil constaba de un teclado, que cada tecla correspondia a un tubo, genermalmente hecho de metal.. Estos tubos solian formar una o dos hileras.

FLAUTA DULCE;

Es un instrumento de viento muy antiguo. Popular de la Edad Media hasta el barroco.

EL ARPA;

Es un instrumento de cuerda pulsada, que conta de un marco resonante y una serie de cuerdas que pueden ser pulsdas por los dedos o con una pua. Existen diversos tipos destacando la popularidad.

RABEL;

Instruemnto de cuerda frotada, difundido por as montañas de Cantabria, surge a mediados del siglo XVI



4-GUIDO DE AREZZO;

Guido de Arezzo o Guido Aretino (Guido d’Arezzo en italiano) fue un monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930). Nació en Arezzo (Toscana) el año 991/992 y falleció en Avellano después de 1050.

Pasó sus primeros años de estudio en la abadía de Pomposa, en la costa adriática, cerca de Ferrara. Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina artis musicae. Durante su estancia se percató de la dificultad de los cantantes para recordar los cantos gregorianos, e inventó un método para enseñar a los cantantes a aprender los cantos en poco tiempo. Este método pronto se hizo famoso en todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de los monjes del monasterio le obligaron a marcharse a Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero que tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de aprendizaje.

En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G.