NACIMIENTO DE LA OPERA;

La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental.

A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:

• la música (orquesta, solistas, coro y director);
• la poesía (por medio del libreto);
• las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;
• las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura);
• la iluminación y otros efectos escénicos;
• el maquillaje y los vestuarios.

La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la Mascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el Singspiel y el Musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal. Estos géneros se caracterizan por estar estructurados en números musicales cerrados que van intercalados en una representación recitada, mientras que se acepta que la ópera es dominada por la música y la cantidad de texto recitado es menor o nulo, y tiene acompañamiento musical.
Las diferencias: Las diferentes subclasificaciones de la ópera nacen, tanto por cambios en la concepción del libreto y, por consecuencia, en los cambios de función de la música escrita para tal libreto. De tal modo, es posible establecer diferentes subgéneros de ópera que se clasifican, desde el punto de vista de la función del libreto, desde el dramma per musica hasta la ópera literaria, y, con respecto a la función de la música, desde la ópera de números musicales hasta la ópera de música continua. En la historia de la ópera es recurrente que los cambios en la función del libreto determinan, luego, los cambios de la función de la música dentro del género.

PRINCIPALES CANTANTES DE ESTÁ;

Francisco Cavalli, Juan Legrenzi y Marco Antonio Cesti fueron los principales autores de la escuela veneciana de la opera.Nápoles también se convirtió en un centro importante de opera, pero además, tuvo la particularidad de crear la opera “cómica” o “buffa”. Entre autores y obras de la escuela napolitana se destacan Francisco Provenzale con “El esclavo de su mujer”; Alejandro Stradella con “La fuerza del amor paterno”; Alejandro Scarlatti, uno de los más grandes creadores de su tiempo, con numerosísima obra, variedad de géneros, entre sus operas figuran “Rosaura” y “Tigrane”.

La opera fuera de Italia en el siglo XVII se expandió principalmente por Francia, Alemania e Inglaterra. El primer operista en Alemania fue el ilustre músico Enrique  Schütz, que estrenó la ópera “Dafne”; en Inglaterra el más representativo fue Enrique Purcell, quien compuso la bella obra “Dido y Eneas”.  Francia tuvo una figura muy relevante en Juan Bautista Lully, músico de Luis XIV, italiano de nacimiento pero de formación francesa, compositor de obras como “Alceste”, “Armida”, se le considera uno de los creadores de la forma clásica de la opera.

María de Médicis y Mazarino llamaron a París a los compositores italianos de opera, entre ellos a Cavalli. Lully tomó por modelo tragedias de Racine, dando a sus obras una disciplina literaria, entonces hubo una oposición entre la opera italiana y la francesa, resultando querellas que llenaron los reinados de Luis  XIV, XV, y XVI. Luego los compositores de operas reanudaron su labor, con el fin de agradar al público, que estaba ajeno a aquellas discusiones. París fue un foco al que acudieron los alemanes: Meyerbeer se instaló allí; Wagner intentó en vano presentar sus primeras operas, su fracaso fue lo que lo impulsó a perfeccionarlas, dirigiéndose al drama lírico del que fue creador.

QUE SON LAS PASIONES HUMANAS;

Los humanos tenemos diferentes pasiones pero las dos mas importantes de todas las que ahi son las siguientes:

-ALEGRÍA;

La palabra alegría deriva del latín alicer-alecris, que significa vivo y animado. Es una de las emociones básicas del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la tristeza y la sorpresa. Es un estado interior fresco y luminoso, generador de bienestar general, altos niveles de energía y una poderosa disposición a la acción constructiva, que puede ser percibida en toda persona, siendo así que quien la experimenta, la revela en su apariencia, lenguaje, decisiones y actos. La tristeza es la emoción contraria.


-TRISTEZA:

La tristeza es una de las emociones básicas (no natales) del ser humano, junto con el miedo, la ira, el asco, la alegría y la sorpresa. Estado afectivo provocado por un decaimiento de la moral. Es la expresión del dolor afectivo mediante el llanto, el rostro abatido, la falta de apetito, etc. A menudo nos sentimos tristes cuando nuestras expectativas no se ven cumplidas o cuando las circunstancias de la vida son más dolorosas que alegres. La alegría es la emoción contraria.

COMPOSITORES PRINCIPALES

CORELLI, ARCANGELO


ltalia [1653-1713]
Nacido en el seno de una acaudalada familia de terratenientes. Fue compositor y violinista. Contribuyó a la cristalización del concerto grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores de este instrumento como Varacini, Germiniani y Viotti. Estudió en Bolonia, donde aparentemente tomó lecciones de violín de unos discípulos de Ercóla Gaibara. Desarrolló su actividad en Roma principalmente, salvo dos viajes por Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (luego del papa Alejandro VIII). Fue uno de los que continuaron la obra de Legrenzi y Vitali en la sonata antigua. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y bajo continuo), además de 12 para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn fueron récords de publicación y reedición.

COUPERIN, FRANCOIS

Compositor y clavecinista nacido y muerto en París, vinculado al barroco. La música para laúd de la época influyó en su concepción del clave, especialmente la llamada cuarta generación representada por nombres como Jacques Gallot, Charles Mouton o Robert de Visée. Fue llamado el Grande, para distinguirlo de un tío suyo llamado de igual manera al que superó en calidad y por su papel en la historia. Compuso más de 200 obras para clave en total. Tiene en su catálogo cuatro libros de Ordres, nombre con el que distinguía a las suites o partitas. Su colección El arte de tocar el clave ejerció una poderosa influencia en J. S. Bach. En sus prefacios hace referencia a la manera de interpretar este instrumento. En su opinión, los estilos italiano y francés habían dividido a la república de la música en Francia. Él restaba importancia a la procedencia y confesó haberse sentido atraído por la composición después de haber conocido las primeras sonatas italianas. Incluso compuso una en trío llamada La Apoteosis de Corelli, que compensó con una Apoteosis del incomparable M. de Lully.

Frescobaldi, Girolamo

Compositor y organista de origen italiano. Creó escuela en su instrumento y en la música vocal del primer barroco. Tenía una gran fama, reconocida por sus contemporáneos, tanto por los críticos como por los tratadistas. Varios años después (hasta entrado el siglo XIX) su música se siguió utilizando con fines pedagógicos. Por aquellos tiempos, Ferrara era uno de los centros más progresistas de Europa y su duque, Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se centró en el órgano, desempeñando un importante papel como organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órga

JOHANN SEBASTIAN BACH

Nació en Turingia el 21 de marzo de 1685 y murió en Leipzig, 28 de julio 1750, fue un organista, clavecinista ycompositor aleman de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecin, también tocaba el violín y la viola de ganmba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde MozartSchoenberg, hasta nuestros días. pasando por

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clasica y de la musica universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandemburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasion segun Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones de Golbers, la Tocata y la fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violochelo solo, las Sonatas y partidas para violin solo y las Suites orquestales.

CRITICA MUSICAL; concierto nº2 de Branburgo

Esta composición esta interpretada por una agrupación denominada orquesta, ya que en ella puedes encontrar familia de viento y cuerda. Viento; puedes escuchar diferentes instrumentos; flauta de pico, trompeta y de la familia de cuera; violines, viola, violonchelo, contrabajo. En la obra llamada` `concierto nº 2 Brandemburgo´´ predominan los violines de una forma muy clara, ya que su timbre es interpretado de forma muy aguda. Su melodía es ; culta, ya que tiene un autor conocido con el nombre Juan Sebastián Bach. La textura de esta obra es contrapuntística quiere decir una melodía que la melodía que la forma no se repite, pero si he podido escuchar una melodía (de intensidad mas baja), de fondo, de la que principalmente se escucha (su intensidad es mas alta). El procedimiento  compositivo que utiliza el compositor de esta obra se denomina variación y repetición. Variación porque la mayoría de sus composiciones van variando a medida que pasan los minutos pero además la obra tiene unos tiempos en los cuales se repite un pequeño intervalo, dicha melodía de repetición, tocada de manera solista los instrumentos denominados violines. Su tiempo o movimiento varia, no frecuentemente pero si en algunos intervalos de la composición, principalmente su tiempo es moderato , pero en esos intervalos , en los cuales he nombrado antes su tiempo es allegro. La intensidad de la composición es mezzo fforte, si que es verdad que en algunos intervalos de esta, se puede apreciar, que puede haber una serie de contrates de mezzo fforte a ffrte. Al final de la obra se escucha claramente que hay un descrechendo pero además a mitad de esta ahí un crechendo.

Esta pieza personalmente, me transmite fuertes alegrías debido a su ritmo, timbre, movimiento…Pero además hay tiempos en las obras que su intensidad baja fforte si puede transmitir algún sentimiento de tristeza, miedo. Este tipo de música no me atrae peo tampoco de para que sea un tipo de música que no la pueda escuchar.

EL CLAVE BIEN TEMPERADO;

El Clave bien temperado o el Clavecín bien templado (en alemán: Das wohltemperierte Klavier, literalmente ‘el clave con temperamento bueno’, en contraposición a otros tipos de temperamento), es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.

Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen (que comprende los preludios y fugas del BWV846 al BWV 869) fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen (que comprende del BWV 870 al BWV 893) fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero. Ambos comparten el mismo esquema: cada libro comprende 24 grupos constituidos por un preludio y una fuga en la misma tonalidad. Empieza por la tonalidad de do mayor, y después la de do menor, a la que le sigue do sostenido mayor y así sucesivamente, hasta haber completado toda la gama cromática de mayor a menor. Es, por tanto, una colección enorme que comprende 48 preludios y 48 fugas cuyo objetivo es, a la vez, musical, teórico y didáctico.

GLENN GOULD; Variaciones golbers

Nacido en Toronto en el seno de una familia de músicos (el padre era aficionado; la madre profesional), Gould aprendió a tocar el piano con esta última, que tocaba además el órgano. Su abuelo era primo de  Edvard Grieg. Fue a la escuela Royal Conservatory of Music cuando tenía diez años de edad, convirtiéndose en el discípulo más famoso del pianista chileno Alberto Guerrero.
Su primer concierto (tocó el órgano) tuvo lugar en 1945, e hizo su primera aparición con orquesta el año siguiente cuando ejecutaba el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto. Realizó su primera ejecución pública como pianista solo en 1947.
Diez años más tarde, Gould hizo un viaje a la Unión Soviética y fue el primer pianista canadiense en visitar ese país después de la Segunda Guerra Mundial.
El 10 de abril de 1964 tocó en público por última vez en Los Ángeles y anunció que se retiraba de los escenarios cuando era una auténtica figura internacional. La razón es que empezó a sentir hastío por la interpretación en directo y creyó que servía mejor a la música en un estudio de grabación que en la sala de conciertos. Pensaba además que la música se preservaba mejor en la intimidad.
Además de las grabaciones de piano, a las que se dedicó durante el resto de su vida, se dedicó también a la escritura y a la radio, que le apasionaba. Murió en Toronto el 4 de octubre de 1982 después de sufrir un infarto cerebral.

VARIACIONES GOLBERS;

Es el nombre de una composición musical para teclado cuya composición fue completada por el compositor barroco alemán Johan Sebastian Bach en 1741.
La obra, que fue denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), fue compuesta cuando Bach era cantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig y fue publicada como la cuarta parte del Clavier-Übung.
El Clavier-Übung, título que hoy se escribiría en alemán como palabra compuesta: «klavierübung» y que se traduciría líbremente al español como «ejercicios para teclado», es un compendio demostrativo de su obra para teclado, dividido en cuatro partes, y posiblemente concebido para los que el mismo Bach denominaba liebhaber, es decir, aficionados competentes y exigentes.